Plantilla: clarinete | cello | piano | 5 teléfonos móviles o laptops
Fecha: 2019
Duración: 10′
Encargo: Luis Fernández Castelló.
Estreno: XVI Festival COMA 2019, Teatros del Canal, Madrid, 22/9/2019.
Luis Fernández Castelló (cl.), David Apellániz (vc.), Carlos Apellániz (piano).
Partitura: Babel Scores
ISMN: 979-0-2325-3964-5
Comentario: Esta es una obra que trabaja sobre el Trío Op. 114 para clarinete, violonchelo y piano de Johannes Brahms, planteando dos espacios de indagación: por un lado, el gesto, la gestualidad romántica. Es decir, cómo un gesto puede evolucionar hacia un contexto totalmente diferente. Del mismo modo que si se tratara de una resonancia que va proliferando y transformando el objeto musical primario en otra cosa. Por otro, me interesa trabajar la veladura, la materia en disolución, lo que queda al margen del proceso. O si se quiere, el objeto del pasado detenido en el tiempo, observado a través de un velo translúcido que nos deja ver sólo una parte de su relieve, casi únicamente sus contornos y, por tanto, se percibe aislado y convertido en nueva e inaprensible materia. Ambos espacios de indagación se presentan en alternancia aunque en ningún caso como elementos de contraste sino como materia que va componiendo un espacio formal específico y cohesionado.

Un apunte, a modo de reflexión
¿Por qué este interés por el contexto romántico ahora, precisamente ahora? Lo que puedo responder es que vivimos en un tiempo (o al menos así me lo parece a mí) en el que resulta interesante y, sobre todo, posible revisitar una época que en el pasado más cercano –me refiero al de las vanguardias de mediados del siglo XX- era situado, desde una perspectiva estética, en un plano de confrontación con lo que se denominó “música avanzada”. Esto suponía que cualquier afloramiento de este periodo esencial –incluso si se planteaba en un plano dialéctico- se percibiera como regresivo, como una negación de un carácter progresivo que no podía contener ningún elemento del pasado, y menos al testigo esencial de la ruptura que había supuesto la consolidación de los presupuestos de las vanguardias seriales. Después, la posmodernidad musical borró (en muchos casos de una manera un tanto burda) cualquier posibilidad de dialéctica o diálogo con el pasado, tomando éste como mero objeto susceptible de ser presentado fuera de contexto, evitando cualquier sentido teleológico o referencial. Con esta perspectiva a la espalda (aunque con toda la incertidumbre al frente), pienso que es ahora cuando el diálogo puede ser más fructífero y enriquecedor. Evidentemente, no me refiero a reivindicar una escritura próxima a ese pasado decimonónico ni a ningún tipo de propuesta “neo-”, sino a observar –ya sin los prejuicios que impone la necesidad del enfrentamiento- cómo se puede dialogar con una época que, queramos o no, todavía nos conforma en algunos aspectos. Poner en diálogo significa poner en juego, es decir, colocar en otro lugar (descontextualizar) el objeto observado para darle otra naturaleza. Esa alteración supondrá hacerlo nuestro y de nuestro tiempo.

Una última aclaración: es cierto que Brahms se puede calificar como un compositor clásico dentro del romanticismo. Sin embargo, en él creo que existe una evidente estilización  del gesto. Brahms huye del patetismo para sumergirse en una forma romántica que quiere pervivir, que apela a crear bases perdurables. Por eso, para esta indagación concreta en el gesto romántico, me interesa más esta perspectiva que la de compositores cuyas ideas exploraban otros lugares, a veces atisbando ya  nuevos lenguajes, sin pretender echar raíces.

Plantilla: soprano | cl. bajo | guitarra | electrónica [2 canales]
Fecha: 2018
Duración: 14’40»
Textos: Poema del libro Otro año del mundo (La Palma, col. EME, 2015) de Pilar Martín Gila.
Voz in off (electrónica): Pilar Marín Gila.
Partitura: BabelScores
ISMN: 979-0-2325-3537-1
Grabación: CD monográfico en la revista Sibila n. 56 (diciembre 2018). Suscripción y librerías (UDL distribuidores)
Comentario: Obra escrita para el CD monográfico publicado por la revista Sibila n. 56 (diciembre 2018).

Plantilla: soprano | cl. bajo | 1 guitarrista con 2 guitarras
Fecha: 2016
Duración: 18′
Texto: Poema del libro Otro año del mundo (La Palma, col. EME, 2015) de Pilar Martín Gila.
Encargo: Proyecto OCNOS.
Estreno: XVI Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, Auditorio de Tres Cantos, 21/10/2016.
Proyecto OCNOS.
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: CD monográfico en la revista Sibila n. 56 (diciembre 2018). Suscripción y librerías (UDL distribuidores)
Comentario: La obra se inscribe en la indagación palabra poética y música, que realizo desde hace años con la poeta y crítica Pilar Martín Gila. En este caso, se trata de una pieza sugerida por un poema de su último libro, Otro año del mundo (ed. La Palma, col. EME, 2015), un poemario que gira en torno a la balada Der Erlkönig de Goethe, con el conocido lied de Schubert al fondo.

Conceptualmente, Erle trabaja con el entrelazamiento, como alusión a un tiempo pasado (el de Goethe y Schubert) en el que el mundo todavía se explica a partir del vínculo de las cosas entre sí, entreveradas, consecuencia las unas de las otras. Y en contraposición a esto, un mundo como el actual donde todo se presenta como fragmentario, los vínculos y las intenciones se difuminan y el vértigo sobre el sentido da lugar a lo inexplicable y lo imprevisible. El poemario Otro año del mundo trabaja con ese contraste, y yo he querido fundamentar también la obra musical a partir de la contraposición de esas ideas.

Así, la obra se mueve en un contexto formal de ida y venida de estos dos mundos. En este sentido, unas partes aludirían a «zonas de desconexión», a nuestro tiempo fragmentario. En las otras, con el texto de Pilar Martín Gila ya presente en el canto, es donde el entrelazamiento cobra sentido. A medida que transcurre la obra, unas partes se hacen permeables a las otras y se produce una especie de síntesis. Una síntesis que no deja de ser crítica, de intentar mostrarse como propuesta.

Por último, es importante señalar que Erle está estrechamente vinculada con otras dos obras muy recientes: Todo próximo e intocable (para un guitarrista con dos guitarras) y Sueña el río (soprano, clarinete y electrónica), ambas sugeridas por el mismo poemario de Pilar Martín Gila.

Plantilla: versión trío: sax bajo | piano | perc | electrónica 4 canales | vídeo
versión ensemble: fl alto | cl bajo | sax barit | piano | perc | electrónica 4 canales | vídeo
Fecha: 2013 (versión trío) / 2017 (versión ensemble)
Duración: 15’10»
Texto: Pilar Martín Gila.
Videocreación: Eduardo Momeñe.
Encargo: Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos / INAEM.
Estreno: XIII Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, Teatro de la Casa de la Cultura, 29/9/2013. Trío De Magia, Carles Royo (dirección escénica y diseño de iluminación), Vicent Gómez Pons (diseño sonoro), LIEM (apoyo técnico).
Reposiciones: XXV Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, La Cárcel_Segovia Centro de creación, Sala Ex.Presa 2, 4/11/2017. Nuevo Ensemble de Segovia, Chema García Portela (dir.), Adolfo Núñez (electr.).
XXVII Festival Internacional de Primavera de Música de los Siglos XX y XXI. Conservatorio Superior de Música de Castilla y León (Salamanca), 20/3/2018. Nuevo Ensemble de Segovia. Chema García Portela (dir.), Adolfo Núñez (electr.).
XXXI Festival de Música Española, León dos mil’18. Auditorio Ángel Barja (León), 25/9/2018. Nuevo Ensemble de Segovia. Chema García Portela (dir.), Adolfo Núñez (electr.).
Mostra Sonora de Sueca 2021, Nuevo Ensemble de Segovia. Chema García Portela (dir.), 18/6/2021.
Partitura: PDF (IFIDMA).
Grabación: IFIDMA (audio y vídeo).
Comentario: La idea que vertebra la composición se nutre de un trabajo literario escrito expresamente para ésta por Pilar Martín Gila, que servirá como punto de partida para el desarrollo de la música y el componente escénico (vídeo e iluminación).

Un viaje de Catania a Stromboli, donde se pone en juego el lugar (acción, destino, inmovilidad), a través de tres momentos discursivos en los que habla la voz colectiva de los navegantes: el cuaderno de bitácora (el viaje lineal, el trayecto con destino); la prosa poética (la imposibilidad de la llegada, la acción no predestinada); la poesía (la imposibilidad del regreso, el cese de la acción en un espacio intempestivo).

El aire es el motor del viaje; su ausencia, la inmovilidad. El mar es el espacio donde se realiza el trayecto y donde se detiene. El espacio abierto del que paradójicamente no se puede salir, no permite un destino. Stromboli es el lugar sacralizado (mítico) que no permite ser abordado ni permite ser abandonado.
La música se presenta de manera contrapuesta al texto, huyendo de cualquier referencia descriptiva, para profundizar en las formas discursivas que adopta éste (cuaderno de bitácora, prosa poética y poesía), forzando la negación de todo lirismo en la parte poética o buscando una máxima expresividad en el juego literario de la crónica sobre la acción. Esta mirada busca reelaborar el tiempo del texto, abrir un espacio en el que el tiempo se detiene porque sus líneas fluyen en direcciones opuestas, sin encontrarse nunca.

Más info: Web del espectáculo «Los caminos inciertos».

Plantilla: sax barit. | piano | perc | electrónica (CD)
Fecha: 2010
Duración: 9’24»
Texto: Textos de Pilar Martín Gila y San Agustín (de Confesiones, Libro XXI, Cap. XXI).
Encargo: TDM Trío De Magia
Estreno: XXVI Festival de Música Contemporánea de Alicante, Centro «Las Cigarreras», 24/9/2010.
TDM Trío De Magia.
Reposiciones: Universidad de Aveiro (Portugal), Festival de Otoño, 8/11/2010. TDM Trío De Magia.
Punto de Encuentro 2010 (Valencia), XVII Festival Internacional de Música Electroacústica. Conservatorio Superior de Música de Valencia, 12/11/2010. Ensemble Espai Sonor.
Festival Via Stellae 2011. Centro Galego de Arte Contemporánea (cGac), Santiago de Compostela, 18/7/2011. Ensemble Vertixe Sonora.
Festival COMA’15. Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, 21/11/2015. Nuevo Ensemble de Segovia, Chema García Portela (dir.).
XXIV Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, Sala Ex.Presa 2 de La Cárcel_Segovia Centro de Creación, 29/10/2016. Nuevo Ensemble de Segovia, Chema García Portela (dir.).
Festival COMA 2020. Auditorio CPM Getafe. Sax-Ensemble, Santiago Serrate (dir.), 15/10/2020.
Partitura: Babel Scores.
ISMN: 979-0-2325-0530-5
Grabación: Radio Nacional de España (Radio Clásica).
Comentario: Il silenzio svelato es una obra planteada en torno a otra de carácter escénico, La bujía de Stromboli. Se plantea como obra autónoma, siendo a la vez, un ensayo preliminar y, fundamentalmente, una forma de abordar la misma idea esencial desde una perspectiva diferente. Il silenzio svelato observa a los protagonistas de la acción (un viaje simbólico de Catania a Stromboli) desde el lugar que abandonan y desde aquel al que no han llegado aún. Catania y Stromboli, un origen y un destino, un lugar en cuyas costas queda el pasado, y otro donde aún esperan la llegada. En el centro temporal de la obra, está el viaje mismo, el silencio del trayecto, la medida del presente. Es precisamente, en esta parte central, donde surge la palabra, como pregunta y como relato, a través de un texto extraído de las Confesiones de San Agustín que se superpone a otro de Pilar Martín Gila, cuya forma, a modo de cuaderno de bitácora, será parte de la mencionada obra escénica La bujía de Stromboli.

Plantilla: cl | vl | piano
Fecha: 2009
Duración: 5′
Encargo: New York Miniaturist Ensemble.
Estreno: Teatro Calderón, Valladolid, 24/4/2013.
Trío Pérez Iñesta.
Reposiciones: Festival COMA’13, Teatros del Canal, Madrid, 15/9/2014.
Ensemble Kuraia.
XXXV Encontre Internacional de Compositors de Mallorca, Conservatorio Superior, 3/11/2014. Ensemble Kuraia.
Estudio 206, Radio Clásica (RNE), Madrid. Trío Pérez Iñesta (directo). 19/5/2017, 21/5/2017.
Salamanca, Trío Contrastes, 8/1/2021.
Festival Europeo de Clarinete ECA, Györ, Hungría, Trío Contrastes, 26/8/2021.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: Metaphors of Metals está constituida por una serie de tres miniaturas (I. Echoes of the forge, II. Memory of steel y III. Oxides) inspiradas en sugerencias que toman el metal como punto de partida. Cada miniatura tiene la peculiaridad de estar construida con 100 notas, entendido el término «nota» como aquellos sonidos perceptibles de manera aislada, por lo que elementos pertenecientes al ruido o clusters y multifónicos (que son considerados como una única nota) están tratados de forma especial en esta contabilización. Lejos de un planteamiento deliberadamente caprichoso, esta limitación en el número de notas tiene una función esencial en el proceso creativo, como propuesta economizadora de medios que -siendo en sí mismo un hecho consustancial y necesario en todo procedimiento artístico- actúa como «provocación» en el autor, activando una mecánica en la que se inevitablemente se produce una potenciación de los recursos. En Metaphors of Metals esta dinámica se combina necesariamente con la sugerencia extramusical que inspira la obra. Es decir, las imágenes que surgen de los espectros sonoros de la fragua abandonada, de las resonancias interiores en el brillo del acero o del indefectible proceso de oxidación y transformación de la materia, se convierten en música mediante un desarrollo que -obviando la mera descripción- intenta lograr una extraña síntesis (como si de una aleación se tratara) entre la limitación del material musical (las 100 notas) y la sugerencia que emana de la alusión particular al metal en cada pieza. Se trata de mostrar con sonidos un proceso alquímico en el que la objetividad numérica se transforma para convertirse en idea artística.

Plantilla: cl | vla | vc
Fecha: 2008
Duración: 19’10»
Encargo: Modern Ensemble
Estreno: Lugar y fecha por determinar.
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: CD: Voces de ébano
Ensemble Modern, Francisco Antonio García.
CODAOUT-Tritó DD01123
Distribución y venta: TRITÓ [comprar]
Comentario: La sugerencia conceptual de la obra toma como punto de partida los cuadrados mágicos, en concreto de uno de los más conocidos, que aparece en el tratado De occulta philosophia libri tres (1533) de Cornelius Agrippa, y que este escritor, filósofo, alquimista, cabalista, médico y nigromante alemán renacentista asigna a Saturno (tabulae Saturni). La elección de este cuadrado y no otro deriva precisamente de esta relación con el planeta que en la mitología romana era el equivalente del antiguo titán griego Cronos, dios del tiempo, aspecto que a su vez me parecía muy adecuado para una obra musical donde tanto valores como duración global de la obra están determinados por el cuadrado mágico.
La poética de la obra, así como la tensión creativa, se sostiene en una dialéctica entre una base teórica derivada del cuadrado mágico, que da lugar a una serie de procedimientos, de tipo matemático, que llevarán a la creación de una base musical –casi completamente escrita- pero que será utilizada únicamente como “guía”, y la propia realización final, que actuará sobre este sustrato firme y que tendrá, en definitiva, la última palabra. Es decir, se trata de crear unas estructuras totalmente definidas (que podrían considerarse musicales por sí mismas), pero que son producto de procesos no controlados sino en la planificación de éstos, para después –de alguna forma- “negarlas” a través de decisiones que toma el creador. Se podría hablar de una especie de deconstrucción donde la realización de la obra se erige en la verdadera creación, en el único objeto artístico. Si la deconstrucción formulada por Derrida afirma que la envoltura retórica es todo lo que hay y que por ello la obra de arte literaria es irreductible a una idea o un concepto, en este caso la obra de arte musical reniega de su plan original, de la Idea, para ser en sí misma, quedando lo metafóricamente más racional –la matemática- reducido a mera excusa azarosa. […]
Documentos: Comentario completo y plan precomposicional

Instrumentation: vl | vc | piano
Fecha: 2006-2007
Duración: 9’45»
Pre-estreno: FESTICONU 2011 (II Festival de Música Contemporánea de Huelva). Conservatorio Profesional de Huelva, 14/4/2011.
Ana Isabel Gómez Suárez (violín), Laura Calabuig Benítez (cello) y María Fernández González (piano).
Estreno: Class Festival, Laredo, 21/8/2013.
Trío Gombau.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: Luz de campanas es una obra escrita en homenaje al compositor Frederic Mompou.
La obra se estructura en torno a aspectos especialmente queridos por Mompou, como las campanas, que marcaron su infancia y sus primeras composiciones. Mompou se crió entre campanas (su familia poseía una fábrica) y de esta relación sonora impresa en su memoria surgió después el «acorde metálico», empleado en sus primeras obras y que en Luz de campanas hago aparecer como vertebrador armónico. Existen en mi obra otras referencias a elementos musicales concretos de la obra de Mompou, que van emergiendo dispersos, abandonados, como fantasmas de luz, en una obra que pretende penetrar en el mundo del color más que en el de la forma.

Plantilla: vl | vc | piano
Fecha: 2004
Duración: 15′
Encargo: Trío Arbós
Estreno: III Mostra Sonora de Sueca (Valencia). 16/6/2007.
Trío Arbós.
Reposiciones: IC[CM] 2010 – International Conference on Contemporary Music. Conservatorio Superior de Música de A Coruña, 27/4/2010.
Ensemble s21.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: Sulla morte e la follia (“Sobre la muerte y la locura”) –para violín, violonchelo y piano- está escrita como homenaje a Carlo Gesualdo “Principe di Venosa” (c.1560-c.1613). Partiendo del madrigal Se la mia morte brami perteneciente al Sesto Libro dei Madrigali a cinque voci (1613), la obra trabaja sobre una serie de planos conceptuales simbólicos que, a través de una serie de procedimientos, dan lugar a los materiales que la forman. Por ejemplo, se utiliza la aparición progresiva del total cromático en la obra de Gesualdo como sustrato subliminal que “conduce” la obra. El resto de sonidos se mueven, bien como masas o clusters, bien en forma de aproximación/alejamiento de estas notas-guía. No se produce una percepción melódica clara ya que se las líneas que se dan en la obra original como voces muy definidas quedan descontextualizadas al ser introducidas sobre valores muy largos o fragmentados. Otros aspectos, como las proporciones temporales o los tempi de las tres secciones de la pieza, están determinados también por el material original, mediante diferentes asociaciones simbólicas organizadas de manera coherente. Otro aspecto que juega un papel importante en la obra es la utilización del análisis fonético sobre el texto original del madrigal de Gesualdo como referente simbólico a la creación de una estructura tímbrica y articulatoria. Por ejemplo, se establecen correspondencias entre la fonética del italiano y diferentes técnicas instrumentales, que resultan coherentes con la realidad acústica de éstas. 
En un sentido más amplio, Sulla morte e la follia es una pieza que intenta –como ya he pretendido en otras ocasiones- “reinterpretar” una visión del pasado que representa a su vez un paso hacia nuestro tiempo, sin caer en la regresión que supone un planteamiento restaurador de modelo neoclásico. Se trata de trabajar sobre el material de la tradición como un sustrato, como una realidad que nos sustenta pero que, al mismo tiempo, nos obliga a establecer una dialéctica que necesariamente debe situarnos en un mundo sonoro propio y perteneciente a nuestro tiempo. Gran parte de la obra de Gesualdo “camina” hacia la modernidad y esta pieza trabaja para buscar las claves de ese encuentro.
Referencias: Análisis de la obra en la revista Sul Ponticello

Plantilla: 2 sopranos | coro [S.A.T.B] | fl baja
Fecha: 1998
Duración: 17′ ca.
Texto: Poema de Pilar Martín Gila.
Estreno: Obra no estrenada
Partitura: Manuscrita
Comentario: Retrato es una obra concebida para su interpretación por un coro no profesional. En ella, Sergio Blardony explora un recurso muy utilizado en la música de la segunda mitad del siglo XX: las estructura realizada por módulos con elementos sujetos a un cierto control, pero con altas dosis de azar en el proceso interpretativo. Este hecho es precisamente el que permite que la obra sea interpretada, en su parte coral, por una formación no profesional.
Documentos: Texto poético y notas a la interpretación