Plantilla: grupo vocal (2S.1A/1T.2B/1S.2A) | 2.2.2.2. | 4.2.2.0. | 3 perc | arpa | piano | 8.8.6.6.4
Texto: Emparedada (Libros de la Resistencia, 2021) de Pilar Martín Gila.
Fecha: 2021.
Duración: 17’ca.
Encargo: Orquesta de Extremadura/Fundación SGAE/AEOS.
Estreno: Temporada 2021 de la Orquesta de Extremadura, Palacio de Congresos de Badajoz Manuel Rojas, 4/11/2021. Intérpretes: Lux_Contemporánea, Rebeca Santiago (dir.), Orquesta de Extremadura, Andrés Salado (dir.).
Reposiciones: Temporada 2021 de la Orquesta de Extremadura, Palacio de Congresos de
Mérida, 5/11/2021. Intérpretes: Lux_Contemporánea, Rebeca
Santiago (dir.), Orquesta de Extremadura, Andrés Salado (dir.).
Partitura: Babel Scores [obra en alquiler]
Grabación: Palacios de congresos de Badajoz/Mérida.
Comentario: Esta obra orquestal surge del confinamiento motivado por la pandemia del COVID-19 que ha azotado el mundo desde inicio de 2020. Con la poeta Pilar Martín Gila, nos propusimos trabajar en un proyecto que abarcara obras en diferentes formatos. Por ejemplo, una obra radiofónica encargo de Radio Clásica para la representación de Radio Nacional de España en el Prix Palma Ars Acustica 2021 que organiza la UER (Unión Europea de Radiodifusión), y que fue estrenada en el programa “La Casa del Sonido” el 1 de junio de 2021. Así, también producto de ese proyecto literario-musical, nace esta obra para grupo vocal y orquesta.Por tanto, hay que entender esta obra como una creación de encierro cuya fuente poética –como se indica en el libro Emparedada, editado por Libros de la resistencia en 2021 con un CD en el que se puede escuchar esa obra radiofónica-, «solo hemos habitado nosotros dos, siempre en casa, el hogar adentro, callado el exterior, nosotros, a un tiempo, enmudecidos. Ha sido la vivencia de una clausura, de una forma única de silencio.»

Y el silencio era el aire es producto de la ya extensa experiencia sobre el vínculo música y palabra que llevamos a cabo la poeta Pilar Martín Gila y yo, y que ha producido obras de diversos formatos (cámara, electroacústicas, escénicas y también orquestales). De este modo, nace este proyecto, en el que flota la idea de un espacio –la casa propia, el hogar- que sufre una resignificación muy profunda motivada por esta experiencia vital, extraña y terrible. El espacio abrumador de lo propio y también lo que está detrás, lo ajeno, lo oculto y peligroso, el otro y su atracción, la pared vecina que se muestra como una frontera insalvable que produce temor a la vez que atracción.

La investigación con el texto, a partir de esta idea, se llevará a cabo con un grupo vocal reducido y con una intención indagatoria muy específica: la búsqueda de un lugar no excluyente entre la palabra dicha y el canto, un espacio que se presenta siempre complejo (pensemos simplemente en el sprechgesang de Schönberg y los problemas de definición que históricamente ha supuesto), a la vez que de enorme interés, y que coloca sobre la mesa –como metáfora de ese espacio cotidiano transgredido- la idea de un no-lugar, producto de esa resignificación de la casa y la relación con el otro.

Desde el punto de vista orquestal, la intención es trasladar al oyente ese espacio re-significado del hogar, de lo cotidiano, que deviene hostil. Así, se trata de quebrar los límites temporales de la obra para poner el peso en el plano espacial, de manera que el público se llegue a preguntar cuándo ha comenzado la obra realmente y cuándo ha finalizado (si es que finaliza, al menos conceptualmente, en algún momento), es decir, trasladar al oyente esa sensación de un espacio cotidiano que le envuelve, le atrae y le conforma, a la vez que le es adverso y se va volviendo crítico poco a poco.

Plantilla: recit | c.ing | 3[1.picc].3[3.cl.b].2.3[3.cfg] | 4.3.3.1. | 4 perc | arpa | piano | 12.12.10.8.6 | electrónica [4 canales]
Texto: Poemario Otro año del mundo (La Palma, col. EME, 2014) de Pilar Martín Gila.
Fecha: 2013-2014
Duración: 23’52»
Encargo: Joven Orquesta Nacional de España/Fundación Autor/AEOS.
Estreno: XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música UAM, Auditorio de Zaragoza, Sala Mozart, 10/01/2015.
Susi Sánchez (actriz), Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), José Ramón Encinar (dir.), LIEM-CTE (electrónica).
Reposiciones: XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música UAM, Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, Madrid, 12/01/2017. Susi Sánchez (actriz), Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), José Ramón Encinar (dir.), LIEM-CTE (electrónica).
Partitura: Unión Musical Editores (Music Sales) [obra en alquiler]
Grabación: Auditorio de Zaragoza.
Comentario: La trayectoria de la sombra es una obra interdisciplinar, una indagación que implica a la palabra poética y a la música en un contexto en el que también lo visual –el plano escénico- cobra relieve.La luz y su ausencia, las sombras, el día que nunca acaba de llegar, son aspectos fundamentales en esta obra escrita para recitación, corno inglés solista y electrónica. Cuatro poemas de Pilar Martín Gila, pertenecientes a su libro Otro año del mundo (Ediciones La Palma, colección EME, 2014), sirven como vertebradores poéticos de la obra musical.

El discurso musical se conforma sobre la imposibilidad de hallar la luz. Un continuo amanecer, el día que nunca llega sugerido por el texto poético, es trabajado, desde la música, como constantes retornos a un punto anterior. Sin embargo, no se trata de repeticiones sino de un recorrer el mismo camino de nuevo, una especie de déjà vu, donde las cosas, los objetos sonoros, cambiados de lugar, son y no son reconocibles al mismo tiempo.

Otro aspecto esencial de La trayectoria de la sombra es la propuesta escénica, que pretende romper la visión estática de la orquesta introduciendo a los solistas –actor y corno inglés- separados de ésta y creando, junto a la electrónica, un espacio de relación entre todas las partes, una especie de diálogo, de extraña dramaturgia. Moverse a tientas en un mundo inexplorable… La voz del actor busca su sitio, quiere ganar terreno a una voz que le llega impuesta, la voz in off de la propia poeta en la electrónica. El cor-no, mediador, tiende hilos desde la orquesta hacia el actor mientras la voz grabada defiende su propio ser. El actor va conquistando el texto, hacién-dolo suyo, intentando encontrar un lugar en ese mundo incierto e inexplorable. Sin embargo, todo es tentativa.

Plantilla: recit | 2[2.muta picc].2[2.muta c.ing].2[2.muta cl.b].2 | 3.2.0.0. | 3 perc | arpa | 8.8.6.4.2 | electr
Texto: Poemario Claroscuro del bosque (Amargord, col. Transatlántica) de José Luis Gómez Toré.
Fecha: 2011
Duración: 19’22»
Encargo: Festival COMA’11
Estreno: XIII Festival Internacional de Música COntemporánea de MAdrid COMA’11, Auditorio Nacional de Música, Sala de Cámara, 13/12/2011.
Christian Fernández (recit.), Andrés Salado (dir.), Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid (JORCAM).
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: AMCC.
Comentario: Entre dos extremos negros habla de encuentros imposibles y ciertos a la vez: del arte y el pensamiento, de la palabra y el silencio, de la confluencia entre la línea y el punto… Y lo hace sobre la exploración de lo que habita entre diferentes capas que en la obra musical aparecen desconectadas entre sí, que hablan sin conciencia de pertenecer a una superposición de planos. Esta ausencia intencional de diálogo produce, entre un estrato y otro, el silencio, el vacío; pero en determinados momentos, también conexiones azarosas (o filtraciones intencionadas) que impregnan levemente su superior o inferior, y por extensión, a todas las demás. Estos estratos superpuestos se conforman a través de la manipulación de objetos poéticos, musicales o sonoros: una canción tradicional de la Selva Negra, la obra incidental de Beethoven Die Ruinen von Athen, una obra mía anterior, El fino cristal de la niebla, el poema Todtnauberg de Paul Celan, algún fragmento de pensamiento de Heidegger… Y, en el recitado en escena, un poema de José Luis Gómez Toré, procedente del proyecto multidisciplinar Claroscuro del bosque, realizado junto a la artista Marta Azparren.

Plantilla: ensemble [4 secciones de instrumentación variable] 1.1.1.1 | 1.1.1.1 | 1.1.1.1 | 1.1.1.1
Solistas: cuarteto [instrumentación variable]
Fecha: 2009
Duración: 19’30»
Texto: Poema de la colección Demonios y leyes (Ediciones Libertarias, 2010) de Pilar Martín Gila.
Encargo: Quodlibet (revista del Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares)/CDMC.
Estreno: XIV Festival COMA 2017. Auditorio del Conservatorio de Getafe (Madrid), 15/10/2017.
Orquesta de la UAM, Enrique Muñoz (dir.), Juan Muñoz (vl.), Jordi Hidalgo (vl.), Sara Ropero (vla.) y Álvaro Llorente (vc.).
Reposiciones: XXV Jornadas de Música Contemporánea de Segovia, La_Cárcel Centro de Creación. Orquesta de la UAM, Enrique Muñoz (dir.), 04/11/2017.
Partitura: Quodlibet, separata del nº 46, enero-abril 2010.
Distribución y venta: Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares [comprar]
Comentario: Si tuviera que resumir en pocas palabras la idea, el propósito íntimo de la obra, diría que mi intención es la de presentar una articulación entre tiempo real (duración) y tiempo-espacio (musical) que no se base en la estructura de variación -como muestra de identidad en la no identidad-, sino que organiza el tiempo musical a base de contraponer el tiempo lineal –el que no tiene posibilidad de retorno, representado por el movimiento espacial en la escena (el fluir del sonido en el espacio), que si bien es circular también es direccional y finito, ya que termina en un punto-, con el tiempo circular, representado por la superposición constante de una misma estructura melódica que se repite sin alteración. Tomando el título de la obra como metáfora de la idea, el rastro aludiría al tiempo lineal, a la promesa del hallazgo -que finalmente llega, al encontrarse los cuatro solistas en el escenario-, y los murmullos podrían interpretarse como el tiempo circular, una constante que llegará a percibirse como informe (la superposición de la misma melodía destruirá su relieve, su noción de estructura autónoma y única), una textura en la que el objeto individual que la constituye intentará a toda costa mantener su protagonismo –no en vano, es melodía, y como tal reclamará su “derecho imperial”- pero que será destruida por su propia condición, por su exceso, por su acumulación; una especie de “morir de éxito”, aunque sea una muerte en vida ya que su conciencia de fuerza no puede ser del todo anulada. Y en esta doble dialéctica –el rastro de lo finito contrapuesto al murmullo de lo infinito, y la lucha del murmullo por dejar de serlo y alzar la voz- es donde la condición de obra musical escénica se justifica plenamente. No sería posible, por ejemplo, asegurar la circularidad del sonido (en sus dos presentaciones posibles, la que conlleva movimiento de la fuente sonora –el cuarteto- y el desplazamiento por modificación de la fuente –el grupo instrumental- en un contexto orquestal; aun considerando la orquesta como una única fuente sonora, resultaría imposible construir un movimiento circular hacia un punto concreto, y que este proceso fuera perceptible como tal; además, este punto, carecería de unas referencias culturales que le otorgasen algún tipo de significación. De igual modo, si me sirviese sólo de medios electrónicos, podría sin duda crear un espacio adecuado utilizando varios altavoces situados circularmente y en distintas alturas, pero la ausencia del elemento visual que actúa como “catalizador” del proceso musical, como dialéctica de la apariencia –oposición entre lo que es y lo que parece que es-, probablemente convertiría la concepción de la obra respecto a lo espacial en pura anécdota. Y, respecto a la lucha del murmullo por recuperar la voz, cuyo resultado será la textura anuladora del relieve de lo melódico, sin duda podría lograrse en otro contexto, pero tendría que darse de forma aislada, separadamente del resto del planteamiento. Es decir, al suprimirse la doble dialéctica (al anular el componente de movimiento, el rastro), estaríamos hablando de otra obra con otros presupuestos, donde el movimiento y el espacio no tendrían por qué entrar en juego.

Plantilla: 2[muta picc].2[muta c.ing].2[muta cl.b].2[muta cfg] | 2.2.2.1 | timp | 2 perc | arpa | 8.8.6.6.4
Solista: Violoncello
Fecha: 2005
Duración: 15′
Estreno: Obra no estrenada.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: Todo poema corre el riesgo de carecer de sentido y no sería nada sin este riesgo.[Derrida]
Esta frase del filósofo francés, que encabeza mi composición, se hace extensiva a la obra musical. Considero que esta obra arriesga su coherencia en la propia idea que la sustenta: el diálogo entre lo presente y lo ausente.
Para ver el aspecto macroformal de la obra podríamos aludir a otro arte: la fotografía. La obra transcurre como el proceso de revelado de un negativo, aunque en sentido inverso. Primero se presentan los contornos que forman el resultado final (el material melódico de la idea sonora, presentado por el instrumento a solo), y después, este resultado se dará en la ausencia (en el silencio). Es el negativo como metáfora de la muerte. El instrumento solista desaparece, pero “se oye” el vacío que deja. La ausencia se hace sonido a través del silencio. Técnicamente, la orquesta “rellena” el espacio cromático, dejando sin tocar el material melódico de la idea principal. La melodía se hace subliminal y su presencia se da por omisión.
Documentos: Comentario completo

Plantilla: 2+1.2+1.2+1.2+1 | 4.3.3.1 | timp | arpa | piano | 5 perc | 12.12.10.8.6
Fecha: 1999-2000
Duración: 14’40»
Premios: Premio Internacional de Composición Musical Ciutat de Tarragona 2000.
Estreno: Festival d’Estiu de Tarragona 2001. Camp de Mart, Tarragona, 25/7/2001.
Olari Elts (dir.), OBC (Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya).
Partitura: Pygmalión (partitura y partes en alquiler).
Grabación: Catalunya Música (Catalunya Ràdio).
Comentario: La obra quiere ser la metáfora sobre una manera de entender el discurso musical: la tradición permanece como substrato, como esencialidad necesaria sobre la cual se construye la obra moderna. No se parte de la idea de recuperación de estilos o lenguajes sino de una visión actual que surge a partir de la conciencia de evolución desde el pasado. Se construye sobre los espacios que deja lo antiguo, Introduciéndose en ellos con la ventaja que proporciona el conocimiento de dos perspectivas: la antigua y la moderna. Por otra parte, la obra pretende ser un homenaje al que quizá es el músico español más Importante de todos los tiempos: Tomas Luis de Victoria, que muere en Madrid, en las Descalzas Reales, en una situación de olvido que -en cierto modo- perdura todavía. En cuanto al aspecto interpretativo, se debe tener presente el tratamiento «subliminal» dado a la instrumentación en la obra. Muchas dinámicas están escondidas, forman parte de una textura sonora interna que puede interpretarse como un «no se oye», pero en realidad son indispensables para la consecución de la idea estética. Estas «presencias» son las que, en muchas ocasiones, se encargan de reescribir el discurso, de dar un matiz distinto a una base ya establecida. «No se oyen» explícitamente pero «están ahí» para que el conjunto se oiga como tal.
Documentos: Análisis de la obra

Plantilla: 2.2.2.2 | 4.2.3.1 | timp | t.bells | 12.12.8.6.4
Fecha: 1998
Duración: 11’40»
Premios: 2º Premio «Joaquín Turina» de composición para orquesta.
Estreno: Obra no estrenada.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: La idea musical parte de una obra pictórica de Francis Bacon. Ésta, en forma de tríptico, está estructurada de manera que permite la existencia de un espacio continuo donde se desarrollan las tres escenas. En la obra musical esta continuidad aparece explicitada mediante un acorde que se encuentra presente en todo momento y que constituye un fondo o base sobre la que se mueven los otros dos elementos que la conforman. El segundo elemento está asímismo inspirado por la obra de Bacon y corresponde a su visión angustiosa del hombre. Sus formas desenfocadas y en constante distorsión sugieren una serie de configuraciones articulatorias y dinámicas. El tercer elemento, un motivo percusivo, viene sugerido por las posibles alusiones cubistas que Bacon hace en la parte central del cuadro. Por otro lado, el propósito de la obra es lograr una incertidumbre tímbrica por medios distintos a los habitualmente empleados, normalmente surgidos a partir de modificaciones de la técnica instrumental. Esto no quiere decir que no se emplee ningún recurso técnico aunque éstos serán limitados y ya considerados como «clásicos».

Plantilla: 3.3.3.3 | 4.3.3.1 | 2 arpas | piano | timp | 4 perc | 18.16.14.12.10
Solista: Corno inglés
Fecha: 1997
Duración: 14′
Estreno: Obra no estrenada.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: La obra está sugerida por la pintura de Antonio Blardony (padre del compositor) y dedicada a él. Emplear el termino «sugerida» significa que en ningún momento se ha pretendido un proceso descriptivo. Es más, ni siquiera se podría decir que tal o cual parte ha sido inspirada directamente por un determinado cuadro. Es el ambiente plástico y temático el que ha servido de eje inductor a la composición. En este sentido -y sólo en éste- podría interpretarse la obra como cercana a un planteamiento impresionista. El término «concierto» parte de una concepción distinta de la tradicional. No se pretende dar al corno inglés un sentido virtuosístico ni, desde luego, temático. Su función consiste en servir de constante tímbrica, de elemento unificador de un discurso musical más fragmentario. La elección de este instrumento deriva del propio color y textura de la obra pictórica.
Referencias: Web oficial del pintor Antonio Blardony

Plantilla: 2+1.2+1.2+1.3 | 4.3.3.1 | timp | 2 arpas | piano | 3 perc | cuerda
Fecha: 1994-1995
Duración: 12′
Partitura: Manuscrita