Plantilla: Saxofón tenor, electrónica [4 canales + 2 altavoces-personaje] y vídeo.
Existe versión sin soprano en directo.
Fecha: 2018
Duración: 10’52»
Texto: Texto de Pilar Martín Gila.
Voces in off (electrónica): Sylvie Robert (sopr.) y Pilar Martín Gila (recit.).
Vídeo: Realizado por Sergio Blardony.
Premios: Laboratorio del Espacio 2020.
Estreno: [versión electrónica y vídeo] SIME 2018 Semaine Internationale de la Musique Électroacoustique, Espace Culture, Université de Lille, Francia, 19/4/2018.
[versión saxofón tenor, electrónica y vídeo]: El Laboratorio del Espacio 2020, Auditorio 400 Museo Reina Sofía, Madrid, 4/3/2020. Intérprete: Francisco Martínez (sx.)
Reposiciones: [versión electrónica y vídeo] Ciclo Espacios Sonoros de las Jornadas de Audio y Acústica en Salta (Argentina), Palacio Zorrilla, 11/10/2019.
[versión saxofón tenor, electrónica y vídeo] Festival Espacios Sonoros 2020, Espacio Turina (Sala Silvio), Sevilla, 2/11/2020.
Festival COMA 2020, Sala Manuel de Falla de la SGAE, Madrid. Intérprete: Francisco Martínez (sx.), 21/1/2021.
Museo Lázaro Galdeano, Madrid. Intérprete: Francisco Martínez (sx.), 9/5/2021.
Portugal. Intérprete: Francisco Martínez (sx.), 3/7/2021.
Partitura: PDF (edición del autor).
Comentario: Después del incendio, toda la noche… quiere ser una reflexión en torno a la guerra, en concreto sobre la Guerra de los Balcanes. Pertenece a un ciclo que estoy realizando en colaboración con la poeta Pilar Martín Gila en el que pretendemos una indagación profunda a través de textos poéticos entroncados con la escena, que van generando trabajos creativos de diferente índole.

En este caso, la pieza aborda una de las “historias” sobre las que estamos trabajando, que a su vez viene sugerida por la película The Zookeeper, en la que el protagonista, Jonah Ludovic –el guardián del zoo de una ciudad de los Balcanes en plena guerra civil- es el encargado de cuidar de los animales hasta que puedan ser rescatados. En su cometido, mantiene la guerra fuera de los muros del zoológico, hasta que un niño de 10 años y su madre le piden ayuda.

De este marco extramusical extraigo un elemento que me parece especialmente sugerente y que, de algún modo, deviene en elemento simbólico de varios aspectos que quiero trabajar: el rugido del león. Si observamos este objeto sonoro con una mirada microscópica, el rugido del león contiene diferentes “etapas”, que poseen un carácter muy diferente cada una y que incluso pueden sugerir percepciones contrapuestas. Desde la profundidad casi subterránea del bramido, hasta un momento en el que parece que el ahogo lo relega a la impotencia. La violencia, la incertidumbre y el dolor en un mismo grito, algo que no es lejano a la propia guerra, al conflicto humano. Por otro lado, este rugido, inscrito en el contexto temático del proyecto sobre la Guerra de Bosnia que he descrito, se escucha en el mismo lugar en el que un ser humano (Jonah Ludovic, el cuidador del zoo) intenta salvar al mundo salvaje de lo salvaje del mundo humano, la guerra. Y esta situación –escenificada en la película y abordada en los textos poéticos de Pilar Martín Gila-, con una voz que busca agónicamente el encuentro con la palabra, es un elemento de una enorme potencia a la hora de sugerir ese nivel poético profundo que casi siempre contienen mis creaciones musicales. Aunque huyan de cualquier aspecto descriptivo tradicional.

Plantilla: mezzosoprano | cello | electrónica | vídeo
Fecha: 2018
Duración: 18’24»
Texto: Texto poético de Pilar Martín Gila (del libro de poemas La cerillera).
Encargo: EPOS Lab 2018.
Estreno: EPOS Lab 2018, CC Conde Duque, Madrid, 15/12/2019.
Equipo artístico: Marta Knörr (mezzo), José Miguel Gómez (cello), Raúl Marcos (puesta en escena), Juan Carlos Ares (ingeniero de sonido).
Reposiciones: EPOS Lab, Festival de Música de Tres Cantos 2019, 28/9/2019. Intérpretes: Marta Knörr (mezzo), Juan Aguilera (cello), Raúl Marcos (puesta en escena), Juan Carlos Ares (ingeniero de sonido).
Partitura: BabelScores (próximamente).
Grabación: EPOS Lab.
Comentario: Esta es una obra del detrás, de lo que está escondido, oculto o velado  por otra cosa o por parte de la misma materia. Detrás de los párpados toma como punto de partida un poema del libro La cerillera de Pilar Martín Gila (Bala Perdida, 2018). Es el texto poético el que facilita el discurso, lo hace desde la aprehensión del poema y no desde su análisis y posterior traslación al plano musical. No hay procedimiento pero sí proceso. Poco a poco van desvelándose los estratos inicialmente ocultos que, de algún modo, ya estaban presentes al comienzo de la obra.
El discurso se vertebra a partir de la aprehensión profunda del poema. Por hacer un símil, he actuado del mismo modo que hicieran Bartók o Falla respecto a la música tradicional, trabajando desde su interiorización para, luego, apartarse de cualquier melodía concreta y construir con su propia voz. Algo que, desde mi punto de vista, resulta mucho más auténtico que un trabajo directo a partir de la fuente. En el caso de Detrás de los párpados, del mismo modo, se trataba de interiorizar un discurso poético muy peculiar, especialmente en cómo se presenta a partir de una puntuación abrupta, que condiciona formalmente la pieza musical –como digo- no desde la búsqueda de unas relaciones concretas, sino desde la esencialidad que produce una lectura en profundidad.
Por otro lado, el vídeo –realizado con la propia Marta Knörr como modelo- cumple un papel escénico importante. Y, sin duda, ha resultado vertebrador de la forma a la hora de la escritura, en un proceso de ida y vuelta bastante peculiar. Partiendo de un guión primario, basado en los primeros compases ya escritos, el vídeo se construyó completamente. De este modo, el trabajo posterior estuvo condicionado por la imagen. Es decir, un trabajo que parte del poema, pasa a la música, después a la imagen, y vuelve a la música, teniendo una relación de tensión dialéctica constante con la palabra. Esta ha sido la manera de trabajar, una forma muy grata a la vez que extremadamente inquietante. (Sergio Blardony)

Plantilla: cl | cl.b | electrónica (4 canales) | vídeo
Fecha: 2018
Duración: 40’07»
Estreno: Festival NAK, Civivox Condestable, Pamplona, 28/9/2018. Dentro del espectáculo «La luz de Dreyer».
Equipo artístico: Uxue Roncal y Javi Pérez (clarinetes), Marta Azparren (puesta en escena), Sergio Blardony (electrónica).
Partitura: PDF
Grabación: Vídeo realizado por el Festival NAK. [YouTube]
Comentario: Disembodied es una obra realizada a partir de la videocreación del mismo nombre de Marta Azparren, sugerida a su vez por La pasión de Juana de Arco de Carl Theodor Dreyer. Marta Azparren aisla en su vídeo todo el metraje desposejéndolo de cualquier alusión al cuerpo. La obra musical trabaja en el mismo sentido, utilizando cuatro versiones del Offertorium del Officium Defunctorum de Tomás Luis de Victoria. El Offertorium es la parte de la liturgia en el que se presenta el cuerpo de Cristo. El procedimiento consiste en el despojamiento sonoro de la esencia vocal –lo que más cerca puede estar del concepto “cuerpo humano” en la música- a través de diferentes procesos de filtrado de frecuencias, así como otros relativos a la reverberación. La utilización de cuatro versiones permite jugar con diferente materia sonora, que en su origen tiene afinaciones distintas y que texturalmente también se diferencia.
Los instrumentos acústicos –clarinete en Sib y clarinete bajo- se moverán constantemente bajo un prisma que también se relaciona con el despojamiento del cuerpo: se trataría de omitir la característica sonora más evidente del instrumento, cortando tanto el ataque como el final del sonido. Quedándose con ese punto intermedio del proceso sonoro, se evita el reconocimiento del cuerpo sonoro que caracteriza el timbre instrumental. Obviamente, el ataque no puede físicamente eliminarse en la interpretación instrumental en escena. Por tanto, se trata de “esconder” esos aspectos que caracterizan a los clarinetes para ir en busca de otros relieves sonoros. Por supuesto, será el trabajo con la electrónica el que proporcione una mayor libertad y efectividad a este despojamiento, por lo que el procedimiento compositivo no se concibe por separado, sino en estrecha interrelación. Sólo puntualmente se trabajarán los instrumentos en este aspecto.

Por otro lado, el Offertorium de Victoria, también sirve como material sonoro a partir de la siguiente idea, vinculada igualmente con la pérdida del cuerpo. Si pensamos en el discurso de Victoria como una representación metafórica del cuerpo (a través de una idealización formal  que conduce al reconocimiento de símbolos y objetos que se relacionan retóricamente con su función religiosa), podemos pensar que un “estiramiento” de esa forma –es decir, una ampliación exagerada de la duración de determinada estructura melódica, contrapuntística, etc.-, o al revés, una reducción de la duración también desmedida, que se convierten en recursos que nos sustraen del reconocimiento del cuerpo, de esa metáfora encarnada en el discurso renacentista de Victoria.

Plantilla: percusión de metal | pandero | electrónica | vídeo
Fecha: 2017
Duración: 15’49»
Texto: Texto poético de Pilar Martín Gila (del libro de poemas La cerillera).
Encargo: Eloy Lurueña.
Estreno: 7º Festival SOXXI, Canals, Valencia, 17/06/2017.
Intérprete: Eloy Lurueña (perc.).
Reposiciones: EPOS Lab 2017, sesión de ensayo-montaje abierto al público, Centro Cultural Conde Duque, Madrid, 04/10/2017. Eloy Lurueña (perc.).
EPOS Lab 2017, concierto final, Centro Cultural Conde Duque, Madrid, 02/12/2017. Eloy Lurueña (perc.).
Festival ENSEMS, Valencia, gira EPOS Lab 2017, 17/4/2018. Eloy Lurueña (perc.).
CICUS, Sevilla, gira EPOS Lab 2017, 13/6/2018. Eloy Lurueña (perc.).
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: EPOS Lab.
Comentario: A partir de un poema de Pilar Martín Gila escrito en 2016, la obra musical se concibe como una especie de estudio sobre el dolor, la pérdida y el vacío, y especialmente, sobre cómo esta ausencia altera, de diferentes maneras, el espacio y su percepción, el espacio conocido y el cotidiano. Así, la presencia del texto se plantea desde una concepción espacial fragmentada y focalizada. La percusión, articulada sobre distintos elementos de carácter que se contraponen o se asocian para modificar el contexto, trabaja también desde una idea particular del espacio, tanto en el plano escénico como en el estructural. En definitiva, Una forma, quiere ser una reflexión sobre la muerte y la ausencia. La obra está dedicada a Gustavo, un gato muy querido.

Una forma fue escrita a petición del percusionista Eloy Lurueña para formar parte de un CD dedicado a la percusión de metal.

Plantilla: clarinete | piano [opcional]
Fecha: 2017
Duración: 6’35»
Encargo: José María Santandreu.
Estreno: XIV Festival COMA 2017, CentroCentro, Madrid, 05/11/2017. Versión clarinete y piano.
Luis Fernández Castelló (cl.), Carlos Apellániz (piano).
Reposiciones: Festival Kuraia 2019, Bilbao, 14/10/2019. Versión clarinete y piano.
Luis Fernández Castelló (cl.), Carlos Apellániz (piano).
Partitura: Babel Scores.
ISMN: 979-0-2325-3941-6
Grabación: Festival COMA.
Vídeo 8D. José María Santandreu, clarinete.
Comentario: Aural alude a lo sonoro pero también a lo que rodea, el halo que circunda algo, su aura. En esta pieza, concebida simultáneamente en dos versiones –clarinete solo y clarinete y piano-, he trabajado sobre ese lo que rodea, la resonancia, el sonar oculto, y también, el gesto, el movimiento.

En la versión con piano, éste cumple ese papel resonante, una especie de estado metafórico de la resonancia. Me interesaba trabajar con un instrumento de gran relieve para oponerme explícitamente a ese protagonismo, situándolo casi siempre en segundo término, como si se tratara de una especie de sombra-luz del clarinete, quizá su aura.

Por otro lado, el aspecto gestual en el clarinete busca un resultado sonoro, no únicamente un movimiento del intérprete en escena. Un giro hacia atrás esconderá el sonido; una elevación del instrumento proyectará el sonido hacia arriba… No se trata de “coreografiar” música sino de dar sentido gestual a la idea musical y sonora.

Plantilla: 1 guitarrista con 2 guitarras
Fecha: 2015
Duración: 11′
Texto: Sugerida por un poema de Pilar Martín Gila del libro Otro año del mundo (La Palma, col. EME, 2015).
Encargo: Encargo de Detlev Bork para la inauguración de la nueva sede del Colegio Alemán de Madrid.
Estreno: Inauguración del Colegio Alemán de Madrid, 05/10/2015.
Detlev Bork (guit.).
Reposiciones: Guitarras de Luthier, Madrid, 05/10/2015. Detlev Bork (guit.)
Concierto FAIC, Museo Canario, Las Palmas (Islas Canarias), 30/12/2017. Airam De Vera Ramos (guit.)
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: CD monográfico en la revista Sibila n. 56 (diciembre 2018). Suscripción y librerías (UDL distribuidores)
Comentario: La obra musical se inspira en la primera parte del libro Otro año del mundo de Pilar Martín Gila, un poemario que, a su vez, toma como sugerencia la balada Der Erlkönig (“El rey de los elfos”) de Goethe. En el poemario la acción se suspende, todo queda como detenido, transcurriendo en un tiempo que parece nunca va a acabar. La balada se ralentiza, casi se detiene para fijarse en los detalles (poner ejemplo de poema), y emprender otra mirada. Esta “incisión” a través de la reescritura del texto de Goethe es la que me interesa para la obra musical.

Aunque, de un modo u otro,  la pieza está sugerida por toda la primera parte del libro, la clave estructural se encuentra en el siguiente poema en forma de diálogo:

―De qué tienes miedo.
―¿No ves a ése que trae
  en una mano el galope y en la otra
  las tres figuras de la tormenta?
―Es oscura la noche y está cegada
  la distancia. Nadie se abre camino
  ni es más veloz que nuestro caballo,
  pronto, querido niño, dormirás
  en el regazo de tu madre
  que cantará toda la noche por ti.

En este poema está contenido lo esencial de la intención de la propuesta musical: la forma tripartita que se vuelve sobre sí misma, generando un interior formal igualmente ternario (como si fuera una metáfora de lo fractal); la resonancia –la distancia- como enigma y como promesa (y quizá también como descubrimiento); el movimiento entre la niebla…

También subyace, en la obra musical, una intención de ritual sonoro, que se plasma en la propuesta escénica. Dos guitarras. Una como resonancia de la otra, una resonancia de luz, que intenta penetrar inútilmente en la niebla del bosque…

Plantilla: fl | cl.b | sx.s | p | vl | vc | electrónica [2 canales] | coro femenino (opcional)
Fecha: 2014-2015
Duración: 6’40»
Texto: Obra radiofónica sobre una pieza teatral de Paul Celan.
Traducción: José Luis Gómez Toré.
Voces in off (electrónica): Jesús Barranco (actor), Lola Herrera (actriz).
Encargo: Cosmos 21.
Estreno: XV Festival Internacional de Música Contemporánea de Tres Cantos, Madrid, 27/09/2015.
Cosmos 21, Carlos Galán (dir.), Coro Nur, José Manuel López Blanco (dir.).
Reposiciones: Músicas del Cosmos 2016, Centro Cultural Moncloa, Madrid, 23/11/2016. Cosmos 21, Carlos Galán (dir.), Coro Nur, José Manuel López Blanco (dir.).
Músicas del Cosmos 2016, Teatro Auditorio de Cuenca, 26/11/2016. Cosmos 21, Carlos Galán (dir.), Coro Nur, José Manuel López Blanco (dir.).
Partitura: Unión Musical Editores (Music Sales) [obra en alquiler]
Grabación: Cosmos 21 (video).
Comentario: Gospedin Nikto es una pieza radiofónica escrita a partir de un breve texto dramático de Paul Celan recientemente traducido del alemán por el poeta y crítico José Luis Gómez Toré. La obra, inicialmente producida para el programa Doble Fondo (Radio Círculo), es una extensión instrumental de la parte realizada para la radio, parte que se incluye sin modificaciones, con las voces originales de los actores Jesús Barranco y Lola Herrera.

El texto de Celan, un extraño diálogo entre dos hermanos, se mueve en un tono surrealista, con rasgos existencialistas, quizá próximo al teatro del absurdo, recordando algunas piezas de Samuel Beckett escritas para la radio. El título de la partitura –Gospedin Nikto- alude a un motivo de la obra teatral que podría significar, en una mezcla de lenguas eslavas, “Señor Nadie”.

En ocasiones, la parte instrumental está planteada como un diálogo sobre el diálogo, un juego sobre el juego planteado por los personajes del texto en su diálogo. En otras, los instrumentos se presentan como nuevos personajes, objetos autónomos que irrumpen en el tejido narrativo interpolados al texto y al resto del discurso sonoro de la parte electrónica, mayoritariamente realizado con ruidos sin procesar electrónicamente. No se pretende trazar ningún sentido figurativo, no hay intención de describir acontecimientos o situaciones (habría resultado absurdo considerar la parte musical como “explicativa” de lo indescifrable, de lo surreal). La música fluye junto al texto en una trama desprovista de significado, intentando balbucear en el mismo discurso fragmentario e ilógico planteado por el texto, a través de una secuencia dramática explícitamente repetitiva.

Plantilla: 2 sax soprano | 2 sax bajo | electrónica [4 canales] | video
Fecha: 2014
Duración: 24′
Videocreación: Marta Azparren.
Estreno: Festival COMA’14, Sala Berlanga, Madrid, 04/12/2014.
Cuarteto de saxofones SIGMA Project, Marta Azparren (puesta en escena).
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: Sala Berlanga SGAE (vídeo).
Comentario: Tracto es originalmente una obra videográfica de la artista visual Marta Azparren con música de Sergio Blardony, realizada como parte del espectáculo “La geometría y el temblor: música / poesía / arte en escena”. La pieza indaga en el interior de un saxofón bajo, concretamente se trata de una endoscopia al instrumento Selmer Serie III de Andrés Gomis, miembro de SIGMA project que colaboró también en la grabación de las muestras que hicieron posible la realización de la parte electroacústica de la propuesta.

Tractos es una extensión de la idea original, tanto en lo musical como en la parte videográfica y de puesta en escena, que pretende establecer un juego entre interior y exterior.
Se establece así un diálogo en varios frentes: lo fijado (grabado, es decir, escrito) confrontado al tiempo real en el cuarteto de saxofones. El interior del instrumento (visual y sonoro) y su exterior (igualmente visual y sonoro). Y finalmente, en el sonido musical procesado electrónicamente (interior) y el sonido acústico (exterior). A su vez, en la parte instrumental, se vuelve a dar ese diálogo en el plano formal y discursivo: elementos que se ponen en relieve y otros que se funden con la electrónica o se ocultan deliveradamente… Se podría hablar de otra vuelta de tuerca, de una [re]representación de esa dualidad en una de sus partes, como ocurre también, de algún modo, al final de la videocreación original, donde –sin perder la perspectiva del adentro- se atisba una realidad que ya nos habla de lo irreal y extraño que es lo que hay afuera… ¡Ahora que nos habíamos acostumbrado a vivir en ese claustrofóbico interior!

Plantilla: soprano | guitarra | fl alto [muta a picc] | 3 perc | coro [SATB] | electrónica [4 canales]
Fecha: 2014
Duración: 27′
Texto: Pilar Martín Gila, Ovidio y Safo de Mitilene.
Encargo: Festival SOXXI.
Estreno: IV Festival SOXXI, Centro Cultural Papa Calixto III, Canals, Valencia, 24/05/2014.
Ensemble SOXXI, L’Ensemble Vocal, C. Martínez (sopr.), M. Montalvo (fl.), J.L. Silvaje (guit.).
Partitura: PDF (edición del autor).
Grabación: Festival SOXXI.
Comentario: La clasificación en tal o cual género de una obra no resulta hoy sustancial salvo para situar al espectador en un contexto desde donde colocar inicialmente su observación. En este sentido, Viaje de vuelta podría considerarse dentro del ámbito del teatro musical, si bien no en un sentido estricto y tradicional –como en el caso de la ópera y otros géneros o propuestas donde la acción dramática del libreto vertebra la obra y la presencia de actores o actores-cantantes dota de consistencia a lo teatral–, sí es posible decir que existen aspectos de tipo escénico de suficiente relieve como para apartarla de la tradicional obra de concierto.

Su articulación se produce en torno a tres textos literarios de temática clásica que nos hablan, en el contexto del mito, del
amor, la guerra, la muerte, la traición, la pérdida, la duda, el miedo, el abandono…, y que de alguna forma se contraponen y dialogan entre ellos. Por un lado, en la parte electrónica se escuchan fragmentos de una narración in off en forma epistolar, la Carta de Penélope a Ulises de Ovidio, que se presenta en distintos momentos a lo largo de toda la obra. Otro fragmento de esta misma carta aparece en latín en la parte de soprano y guitarra, como una pseudo cita de Hanc tua Penelope, el Verso IV del Libro tercero de música en cifra para vihuela de Alonso Mudarra. Por otro lado, también en la parte electrónica, emergerá un poema de Safo recitado en griego, clara apelación al amor que triunfa sobre la guerra. Por último, un texto escrito ex profeso para la obra musical por la poeta Pilar Martín Gila, y que presenta el mito –el caballo de Troya, en este caso– desde una perspectiva contemporánea, en la que lo rítmico y lo musical cobran especial relieve. Será esta visión poética, que
emana de nuestro tiempo, la que cante el ensemble vocal; la presencia real, en escena, confrontada al pasado, a los textos clásicos que se presentan en la parte electrónica y en otras presencias que tienen algo de espectral.

Volviendo al inicio del comentario, Viaje de vuelta podría verse como un gran fresco musical y sonoro, donde se ponen en juego –desde la perspectiva contemporánea– no sólo textos y música de otras épocas, sino también lenguas diferentes, todo ello inscrito en el espacio físico de la sala. Este último aspecto, el espacial, es otro de los elementos esenciales que articulan la
obra. Así, la distribución de los intérpretes en diferentes lugares y su movimiento en la escena (y fuera de ella), determinará una especie de dramaturgia que tiene algo de ceremonial pagano y en la que participan –a modo de, digamos, personajes– parte del conjunto instrumental y vocal. También la electrónica juega en el terreno de lo espacial, con una configuración cuadrafónica en la que la distribución de las voces y sus diferentes procesamientos elaboran una realidad sonora que contribuye a dar sentido y situar en lugares específicos el transcurrir narrativo. Un trayecto que se presenta como viaje sonoro, literario y visual por el mito clásico y su visión contemporánea, las voces del hombre antiguo y el moderno, como diferentes perspectivas del drama humano.

Plantilla: recit | c.ing | 3[1.picc].3[3.cl.b].2.3[3.cfg] | 4.3.3.1. | 4 perc | arpa | piano | 12.12.10.8.6 | electrónica [4 canales]
Texto: Poemario Otro año del mundo (La Palma, col. EME, 2014) de Pilar Martín Gila.
Fecha: 2013-2014
Duración: 23’52»
Encargo: Joven Orquesta Nacional de España/Fundación Autor/AEOS.
Estreno: XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música UAM, Auditorio de Zaragoza, Sala Mozart, 10/01/2015.
Susi Sánchez (actriz), Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), José Ramón Encinar (dir.), LIEM-CTE (electrónica).
Reposiciones: XLII Ciclo de Grandes Autores e Intérpretes de la Música UAM, Auditorio Nacional de Música, Sala Sinfónica, Madrid, 12/01/2017. Susi Sánchez (actriz), Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), José Ramón Encinar (dir.), LIEM-CTE (electrónica).
Partitura: Unión Musical Editores (Music Sales) [obra en alquiler]
Grabación: Auditorio de Zaragoza.
Comentario: La trayectoria de la sombra es una obra interdisciplinar, una indagación que implica a la palabra poética y a la música en un contexto en el que también lo visual –el plano escénico- cobra relieve.La luz y su ausencia, las sombras, el día que nunca acaba de llegar, son aspectos fundamentales en esta obra escrita para recitación, corno inglés solista y electrónica. Cuatro poemas de Pilar Martín Gila, pertenecientes a su libro Otro año del mundo (Ediciones La Palma, colección EME, 2014), sirven como vertebradores poéticos de la obra musical.

El discurso musical se conforma sobre la imposibilidad de hallar la luz. Un continuo amanecer, el día que nunca llega sugerido por el texto poético, es trabajado, desde la música, como constantes retornos a un punto anterior. Sin embargo, no se trata de repeticiones sino de un recorrer el mismo camino de nuevo, una especie de déjà vu, donde las cosas, los objetos sonoros, cambiados de lugar, son y no son reconocibles al mismo tiempo.

Otro aspecto esencial de La trayectoria de la sombra es la propuesta escénica, que pretende romper la visión estática de la orquesta introduciendo a los solistas –actor y corno inglés- separados de ésta y creando, junto a la electrónica, un espacio de relación entre todas las partes, una especie de diálogo, de extraña dramaturgia. Moverse a tientas en un mundo inexplorable… La voz del actor busca su sitio, quiere ganar terreno a una voz que le llega impuesta, la voz in off de la propia poeta en la electrónica. El cor-no, mediador, tiende hilos desde la orquesta hacia el actor mientras la voz grabada defiende su propio ser. El actor va conquistando el texto, hacién-dolo suyo, intentando encontrar un lugar en ese mundo incierto e inexplorable. Sin embargo, todo es tentativa.